Roland Emmerich, lo siento, pero di alguna cabezadas mientras no habían batallas en pantalla. Por lo visto salían Ed Skrein (mascando chicle), Patrick Wilson (descifrando enigmas paranormales), Luke Evans(pasaba por allí), Dennis Quaid (rascandose desesperadamente), Woody Harleson(Nimitz Harlesiano), Aaron Eckhart(el piloto presidente) actores de primera como en aquellas películas de catástrofes de los 70 donde los actores intentan llevar lo mejor que pueden la transición hacia las diferentes batallas . Me gustan películas de pilotos de guerra retransmitiendo en directo la batalla aérea como La batalla de Inglaterra, La batalla de Midway y sobre todo en La Guerra de las Galaxias. «Uno Rojo, tienes uno en la cola» y Midway es una de ellas. La película parece una de esas historias resumen sobre las primeras batallas aéreo marítimas en el Pacifico que le leía en Hazañas Bélicas, mi tebeo bélico favorito. Nuestro amigo Alemán vuelve a dar su toque catastrofísta marciano a las diferentes batallas en el Pacifico.
Disfruta como nunca en escenas como el ataque del Pearl Harbor, donde tenemos imágenes Hictkotianas, cambiemos las gaviotas de los Pájaros por aviones japoneses en perspectiva de la famosa base Hawaiana y a partir de ahí, caos, destrucción, catástrofe donde un cabo entre dos barcos crea tensión mientras en torno suyo aviones japoneses disparan sin la suficiente puntería. Todas las escenas de acción están plagadas de efectos especiales explosiones, hundimientos, picados de aviones con una hiperrealidad inmersiva donde tus pulgares apretaran en cada disparo de ametralladora, esperando que ninguna de las ráfagas del enemigo roce tu cazadora de aviador, con ese placer inconfesable que significa destruir a tu contrario. Y hay que reconocer que Emerich sabe contar historias con sus imágenes, aunque en algunas ocasiones no diferencies entre los pilotos sino es por la manera en la cual mastica el chicle. Porque Roland da lo que se espera de él, un Blockbuster catastrofista, palomitero, noventero, artificial, sin mensajes, con una precisión de un autentico cirujano del entretenimiento, aburriendo cuando la acción no es el eje de sus escenas y excitando cuando vuelas en uno de esos aviones en pleno combate bélico, sabiendo que esas imágenes se deben disfrutar en una gran pantalla. donde la liturgia del séptimo arte gana adeptos incondicionales.
¿Realmente Ford queria comprar a Ferrari?, ¿Preparo en 2 años el GT40? ,¿Es 100 % un vehiculo Estadounidense?, ¿Estuvo Enzo Ferari presenciando la carrera del 66?,¿ Llego Carroll Shelby al final de su victoria en Le Mans en plena noche?. ¿Influyeron en la victoria los neumáticos utilizados por los Ford?. ¿Cual fue la problematica con el cambio de frenos en plena carrera?. Indudablemente Le Mans 66 de James Mangold,como los amantes del motor saben, no tiene la minuciosidad y rigurosidad de Rush (Ron Howard, 2013) pero sin embargo es una película de sensaciones, sentimos el paulatino aumento la cilindrada del motor, la consecución de la ligereza del vehículo, el arduo trabajo de los mecánicos, la importancia de las pruebas «in situ», todo ello en post de consecución de un sueño, diseñar uno de los mejores coches de carreras el Ford GT40 y donde la amistad entre Carroll Shelby (Matt Damon) y Ken Miles ( Christian Bale) tendrá su importancia. La realidad fue que Ford consiguió romper en 1966, la hegemonía de Ferrari en la carrera Francesa que había reinado durante los periodos del 1954 a 1958 y del 1960 al 1965. La confrontación entre Ford y Ferrari comenzó en el momento en que EnzoFerrari dijo «No» a su fusión con la empresa Estadounidense de Henry Ford II. Dos conceptos diferentes de empresas automovilísticas que habían llegado a la misma conclusión, Le Mans era el escaparate perfecto del mundo del motor, eso si, con diferentes visiones; Ford vender coches y Ferrari desarrollar coches de carreras. A principios de los años 60 Ferrari y Ford pasaban por momentos delicados aunque habian mas urgencias en la empresa italiana ( Maranello construia en una año lo que Detroit realizaba en un día) Ferrari necesitaba vender coches para poder financiar los automóviles de carreras y hacia poco habían conseguido poner un pie en EEUU gracias a su relación con pilotos como Phill Hill. Enzo Ferrari había tomado en 1961 una drástica decisión al haber despedido a su Director Técnico (Carlo Chitti) y parte del equipo deportivo por desavenencias con Laura Ferrari. Las deudas comenzaban a ser preocupante en la escudería Ferrari.
En el otro lado del Oceano, Ford había firmado en 1958 un acuerdo con GM y Chrysler por el cual no desarrollarían coches deportivos, que rompió en secreto GM, cuando lanzo el Corvette. El deportivo comenzó a ganar en las carreras de Estado Unidos y gracias a la publicidad de esas victorias, comenzó a arañar hasta un 15% del mercado a Ford, que en esos momentos desarrollaban modelos mas utilitarios como el Galaxy o el Thunderbird. Directivos como Lee Iacocca (Jon Bernthal en la pelicula), artifice en 1964 del Ford Mustang aportan la idea a Henry Ford II de crear el departamento especifico en vehículos deportivos, desde donde impulsar el nuevo mercado automovilístico. Con Donald «Don» Frey capitaneando el programa se adoptaron dos de las principales decisiones que fueron el desarrollo de un nuevo coche deportivo, el Ford Mustang y la creacion de un equipo de carreras. Para esta segunda propuesta intentan tomar el camino mas fácil, comprar a la casa de Cavallino Rampante que llevaba una triunfal marcha de victorias en Le Mans. Después de unas largas negociaciones, se llega ha realizar una tasación de 15 millones de dolares, todo esta preparado para la firma del contrato de adquisición de Ferrari pero Don Enzo Ferrari da marcha atrás al comprobar que que no tendría poder de decisión sobre el equipo de carreras, no podía decidir sobre los pilotos de la escudería, ni estrategias de carreras, evidentemente no quería perder el control sobre su juguete preferido. Finalmente fueron comprados por la italiana Fiat que presidia Agnelli que si le daría ese libertad creadora. Herido en su amor propio Henry Ford II toma la decisión de crear por cuenta propia el coche que venciera a Ferrari. Instalo su centro de operaciones en Inglaterra, contrató o al ex-director del equipo Aston Martin, John Wyer y a Eric Broadley, propietario y jefe de diseño de Lola Cars que habia fabricados grandes chasis como los del Lola Mars6 y Lola MK6 , con experiencia en carreras de velocidad, que con el apoyo de ingeniero de Ford, Roy Lunn comenzaron a trabajar en un diseño revolucionario como era el Ford GT40 con un motor V8 en posición logitudinal de 4.7 a 7.0 litros de cilindrada, con 40 pulgadas de altura. Con 10 millones de dolares de presupuesto se gesto el primer modelo del vehiculo de carreras Ford que estuvo preparado para una primera carrera en Le Mans en 1964. El resultado fue desastroso, tenían unos coches rapidos pero muy poco fiables, tuvieron problemas en la caja de cambios y los frenos, El vehiculo de Phil Hill y Bruce McLaren fue el que mas resistió 14 horas. El Ferrari 275 P volvia a ganar. Sin embargo un equipo Estadounidense capitaneado por Carroll Shelby habia ganado la categoria GT con su modelo Cobra Daytona Coupe. Carrol Shelby era un piloto que había ganado Le Mans en 1959 con Aston Martín. Por cierto la última vuelta fue a plena luz y no de noche como nos muestran en la película. Por problemas de salud habia dejado de correr y diseño un nuevo vehículo de carreras con un equipo formado por jóvenes ingenieros de diferentes países reclutados en el circuito de los grandes premios capitaneados por ingenieros como Phil Remington (Ray McKinnon en la película). y confiando en pilotos veteranos como Ken Miles todos al rededor de la Shelby American . El resultado fue el Cobra Daytona Coupe que comenzó a batir al Chevrolet Corvette de GM en circuitos del país. Los dioses del azar hicieron confluir en la presentación del Ford Mustang a Carroll Shelby deseando financiación para su nuevo vehiculo y a Lee Iacocca en la búsqueda de un coche que pudiera batir a Ferrari. Es en 1964 cuando el ganador de Le Mans 59 tomo las riendas del equipo de carreras Ford. Se encontraron con un coche con una pésima aerodinámica, mal mantenimiento en carrera y poco trabajadas entradas y salidas de ventilación, no tenia estabilidad a mucha velocidad. El equipo de Shelby trabajo tanto en el peso del chasis como en el mantenimiento de velocidad con estabilidad y fiabilidad. El GT40 debuto ganando a Ferrari en Daytona parecía que por fin podrían doblegarlos y la maquinaria publicitaria comenzó a trabajar la posible victoria de un equipo Americano a un equipo Europeo en su propio territorio «Le Mans«. La expectativa fue máxima y de nuevo los Ford volvieron a salir derrotados por esa nueva maravilla que fue el Ferrari 250 LM con el agravante que fueron pilotos americanos ( North American Racing Team )los que habian ganado con el vehículo italiano. En una decisión de última hora Leo Beebe ordeno cambiar el motor del GT40, de nuevo la caja de cambios volivio a fallar a las 4 horas del comienzo de la carrera. La unica buena noticia que tuvo el gigante norteamericano era comprobar que el vehículo era muy rápido y estable, por cierto, Ken Miles si corrió en Le Mans 65. La decepción fue enorme, el magnate dio el ultimátum definitivo y Carroll Shelby solicito el pleno mando de la división, Ford acepto.
Uno de los principales problemas con los que se enfretaba el nuevo Ford GT40 era el de la resitencia de los frenos en Le Mans, estos llegaban a una temperatura de 1.500 Fahrenheit y colapsaban. Phil Remington ideo un sistema por el cual cambiarian el sistema completo de freno en las paradas en boxes, esa fue una de las grandes decisiones tomadas. En el reglamento de la FIA de aquella época es cierto que decía que en competición podían cambiar piezas del vehículo. Tal es así, que los frenos de disco son una pieza. Hasta 1966 la mejor refrigeración y enfriamiento de los frenos, los tenía Ferrari, Alpine que utilizaban una posición al volante muy distinta a los demás, cuando se pilota un prototipo arras del suelo con el punto G en “0º”, no hace falta tocar mucho el freno, como pasaba con el GT40. Ferrari reclamo dicha estrategia pero los jueces decidieron dar por buena dicha decisión con el consecuente enfado del equipo italiano. El primer equipo que comenzó a realizar dicho cambio fue Ford. En 1966 Ford volvio a Le Mans, el GT40 comenzaba a ser intratable, ese año gano dos de las grandes carreras de resistencia en Estados Unidos las 24 horas de Daytona y las 12 horas de Sebring. Henry Ford II en la grada, quería ver en primera persona la posible y ansiada victoria sobre Ferrari, por cierto Enzo Ferrari no estaba presente en le circuito, hacia tiempo que no acudía a los circuitos desde la muerte de su hijo Dino. Hubo una importante decisión en la escuderia italiana, cambiaron al volante de uno de sus campeones, el ingles John Surtess por el sobrino de Agnelli, Sabino Scarfioti. También vino marcada por el fallecimiento del piloto de Ford, Walt Hansgen durante las pruebas de la carrera. Durante la carrera el equipo de Ken Miles y Denny Hulme mejoro en varias ocasiones el record de vuelta rápida y llego a liderar la carrera con casi 4 vueltas de ventaja sobre el segundo coche conducido por Bruce McLaren y Chris Amon y el tercer coche de Ford conducido por Ronnie Bucknum y Dick Hutcherson. Otra de las decisiones importantes tomadas que posibilito la victoria de Ford fue el cambio de marca de neumáticos en plena carrera. En la parte final hubo una lluvia torrencial sobre el circuito. El equipo observo el buen rendimiento de los neumáticos Goodyear en esas condiciones climáticas. En aquel año Goodyear se lanzó al mundo de la competición copiando las estrategias de Michelin. Pero mejorando la calidad de la materia, de esta manera consiguieron un mejor en neumático Slick, que les valía para correr. La FIA lo aceptó. El equipo Ford, calzaba a sus vehiculos con los neumaticos Firestone, pero en una arriesgada decisión decidieron el cambio a Goodyear. A falta de ocho horas Ken Milles entro en boxes y se cambio el modelo de ruedas, en su siguiente repostaje comprobaron que el neumático de Goodyear tenía más vida en aquellas condiciones. Y el equipo voto y opto por romper contrato con Firestone y correr con Goodyear hasta el final. Eso fue lo que les dio un mayor aguante.
Y finalmente llego la decisión del gerente responsable del equipo Leo Beebe, gerente responsable del equipo, ordeno ralentizar su vehiculo a Ken Miles para realizar la famosa fotografía en la que los tres Ford entraban juntos en Meta. Según Ford los tres vehículos debían ser los ganadores pero se designo finalmente que el campeón seria el coche numero 2 conducido por McLaren y Amon teniendo en cuenta que segun el reglamento habían empezado la carrera unos treinta metros por detras del coche de Miles y Hulmes. Miles, por una polémica decisión, no pudo ser el primer piloto en la historia, en ganar tres de las grandes carreras mundiales de resistencia Sebring, Daytona y Le Mans. Miles moriría en agosto de 1966 en el circuito de Riverside al sur de California, mientras probaba el nuevo Ford J-car. En 1966 Ford comenzo su nueva era ganadora en Le Mans que finalizaría en 1969 cuando Ford dejo de participar en la mitica carrera Francesa. Aquel Le Mans 1966 fue una de los mejores batallas automovilísticas vividas entre dos grandes escuderías que la película de Ford & Ferrari o LeMans 66 de James Mangold ha devuelto a la actualidad.
Cuando las expectativas te marcan una dirección cuesta muchas veces girar hacia el camino que no esperabas. Esa sensación tuve mientras Madre avanzaba hacia otra historia diferente a la que había marcado el multipremiado cortometraje de Sorogoyen. La película comienza con el inserto de ese largo plano secuencia en donde la tensión dramática creada por la llamada del hijo quedaba en un delicado suspense sin desenlace que no tendrá solución en esta película. Porque Madre tomara una salida diferente, no sera otro thriller con nervio donde la cámara subraya la acción con esas escena rupturistas que vimos en El Reino y Que Dios nos perdone, pasara a dar un enfoque intimista donde nos encontraremos con una virtuosidad panorámica y contemplativa puesta en escena gracias al gran angular. Sorogoyen da un un salto dramático y temporal a su película, no le interesa tanto la busqueda desesperada del hijo perdido, sino su apuesta sera hacia el drama interior del personaje perdido en esas preciosas playas de la Occitania francesa donde intenta encontrar su incertidumbre emocional.
Diez años mas tarde volvemos a encontrar a Elena (Marta Nieto) trabajando en un restaurante costero en esa playa donde se perdió Iván, con una pequeña chispa de esperanza por encontrar a su hijo. Dentro de su melancolia vital, ella comienza a rehacer su vida junto a Joseba (extraordinario Alex Brendemül) cuando un dia se cruza con un adolescente Jean (Jules Porier) con una edad aproximada a la de su hijo para volver a proyectar en él, su instinto maternal que ira derivando hacia una ambigua relación entre ambos. Indudablemente Sorogoyen sabe dar un enfoque visual de gran belleza con esos grandes angulares que te envuelven en la soledad de su protagonista con la que sin embargo, sera difícil empalizar, alargando en exceso situaciones que producirán una sensación de vació al espectador. Intentara explotar ese camino ya transitado en otras obras como Lolita y Muerte en Venecia donde existe una atracción (correspondida o no )entre una mujer que se acerca a la cuarentena y un muchacho que no llega a la mayoría de edad. Reconociendo la profundidad conceptual de la película prefiero al Sorogoyen de El Reino
Una de las Ventajas de viajar en tren es interrumpir la lectura de tu Dirigido por y observar que en el asiento de al lado hay una persona leyendo la misma revista. La sorpresa es mayúscula cuando te fijas bien y observas que se trata de J.A. Bayona. ¡Que nervios!, quiero hablar con el, pero mi timidez me lo impide, me armo de valor y pienso muy intelectualmente: » sera interesante comentar el articulo en el que se cuestiona el Festival de Sitges de este año». Justo en el momento que quiero comenzar la conversación veo que mi idolo Claquetiano se interesa por el televisor del vagón donde comienza la soberbia Muchos hijos,un mono y un castillo, no puedo esperar más, voy ha hablarle pero algo acaba perturbandome, No es Bayona la persona que se encuentra a mi lado, su rostro ha cambiado, son los ojos de un Carlos Bardem travestido que me mira fijamente y comienza a gritarme «¡No sonrías, No sonrías!» agitando el libro Mongo Blanco sobre mi cabeza.
¿Le apetece que le cuente mi vida? te pregunta directamente Angel Sanagustín (Superlativo Hector Alterío), sorpresa y surealismo Buñeliano desde esa primera frase. Una croqueta pinchada en un palo, dentro de una urna mientras Angel Sanagustín la observa se convierte por si misma en una imagen icónica de esta película (aunque podríamos añadir veinte mas). Aritz Moreno nos descubre, a través de su traslación a pantalla de la novela de Antonio Orejudo, la enorme conspiración en la que, nuestra mente esquizofrénica o paranoica, nos trastocara la realidad, llevandonos a un mundo donde nuestra percepción depende de la sorpresa de los ojos del director. En varias ocasiones volví a viajar al mundo surrealista de esa pequeña joya que es Murieron por encima de sus posibilidades de Isaki Lacuesta donde el absurdo nos confunde como espectadores pero que llega a golpear nuestra mente entre en ese juego de realidad y ficción donde una canción como El Amor de Massiel nos llevara a una de las escenas mas perturbadoras de nuestro panorama cinematográfico protagonizada por Helga Pato (Pilar Castro) y Emilio (Quim Gutierrez). Es una de esas interpretaciones que nos llevara a un punto de no retorno mental en el cual nuestras cabezas acabaran por explotar definitivamente. Y es que Ventajas de Viajar en Tren es un cosmos en si misma, donde el narrador se confunde con sus personajes y estos a su vez se metamorfosean en un espacio tiempo Tarantiniano o Iñarrituseanico, elija Usted el universo en el que este mas cómodo.
¿Y de que va? La locura, el absurdo y el surrealismo no se debe explicar, son 4 historias entrelazadas por ese primer encuentro entre Helga Pato y Ángel Sanagustín donde a través del cuento Cortaziano iremos viajando junto a mancos veteranos de la guerra de Irak, envuelto en conspiraciones de reciclaje medioambiental, amores perros, cuentos de príncipes y su princesas (cuyo amor venia inspirado en el ultimo video alquilado de la serie Serena)y giros hithckoknianos que nos llevaran a la estación de destino «Avenida de la Locura Quijotesca». Pero este viaje no habría sido posible sin esa solidez del guión de Javier Guillón y Aritz Moreno y la implicación de todos y cada uno de los actores de la película. Hector Alterio sera para siempre el psiquiatra Angel Sanagustín, creando un personaje mendoziano a la altura de sus mejores interpretaciones, un Luis Tosar revoloteando sobre un nido de cuco, un aterrador Quim Gutierrez y sobre todo una soberbia, increíble y alucinante Pilar Castro que con su interpretación nos dará a uno de los personajes mas complejos de la cinematografía de este país de estos últimos tiempos. Sin olvidar a un principe muchachada como Javier Botet, a una enamorada y sorpendida Macarena Garcia, una hermanisima Belen Cuesta y por último una bien intencionada activista Ingrid Garcia-Jonsson.
Directores vascos como Aritz Moreno, Galder Gaztelu-Urrutia,Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga están dando una nueva visión a nuestro cine de genero, heredero de aquellos años noventa en los que autores como Montxo Armendariz, Julio Medem, Enrique Urbizu, Alex De la Iglesia nos enseñaron que podíamos navegar por galaxias lejanas, conspirar en el Pais Vasco, viajar en las locuras de un desierto freudiano y colgarnos en un puente sobre la autopista Kronen. Disfrutemos de este año 2019, un gran año para nuestro cine que por desgracia se ha estrenado casi todo en un periodo de un mes y medio, haciendo que compitan entre ellas y que finalmente no tengan el recorrido que seguramente podrían obtener. Varios ejemplos en el mismo fin de semana han habido estrenos que entre ellos mismas llegando al absurdo de ver competir en un mismo fin de semana a dos películas vascas como El Hoyo y Ventajas de Viajar en Tren, y dos películas sevillanas como Adiós y La Interperie. O quizás lo programadores sean personajes de esta película y están conspirando contra nuestro cine. Quizás haya que preguntarle a Javier Guillón y Aritz Moreno
Tan solo salir de ver la la película, baje a mi trastero, desempolve mi Scalextric, y monte mi circuito de Le Mans, retando a mi Toyota corolla al Ford coupe, necesitaba sentir la velocidad en estado puro, saber hasta donde podía dar gas sin dejar de apretar el gatillo de velocidad de mi mando y sin que el coche saliera volando por la curva, nada de simuladores de la PS4, correr físicamente con la adrenalina a tope, bueno en miniatura,claro esta. Eso es Le Mans’66, una película de las de antes que puedes ver con tu hijo sin la necesidad de taparle los ojos en según que escenas, donde el discurso es puro, en que la amistad es el vehículo necesario para la consecución de tu objetivo común. Película de sueños,emociones, amor fraterno, trabajo, pasión, conflicto, puñetazos, anocheceres spielbergianos y sobre todo, una peli de carreras. Película basada en hechos reales, Matt Damon da vida a Carroll Shelby y Christian Bale es Ken Miles, un ingeniero y piloto de carreras, respectivamente, que se unen para construir un coche para Ford capaz de vencer a Ferrari. Ambientada en 1966, la cinta sigue sus progresos hasta las 24 Horas de Le Mans en Francia.
James Mangold es como esos directores solventes de los 80 como Barry Levinson, que dan a sus películas la consistencia del oficio artesanal y que consiguen, de vez en cuando, un éxito que les vuelve a poner en el candelero. En el 2017 con Logan logró ese éxito en el que coincidieron taquilla, publico y critica, y es por eso que la industria ha vuelto a confiar en él con Le Mans ’66, aunque mi preferida todavía es (Copland 1997). Película técnicamente sobria, donde las carreras están rodadas con un ritmo adrenalínico, pero muy claro, imágenes rápidas pero bien explicadas dando un ejemplo de montaje: vemos la curva, vamos al rostro del piloto, toca freno, cambio de marcha, vuelve a dar gas y disfrutamos con el adelantamiento, dando una tensión a la escena que nos provoca la subidón en nuestra cabeza en la que solo nos faltaría el sistema olorama para sentir los vapores de gasolina. La tensión de la carrera, el ritmo de los coches, las agujas de los velocímetros apunto de salirse, hacen que cada carrera sea un espectáculo. Y James Mangold las rueda lo mas real posible con los FX con menos CGI posibles, las carreras son lo mas reales posibles y eso se nota.
Pero entre carrera existe una trama solida, una amistad inquebrantable entre dos personas apasionadas y la clave esta en sus dos protagonistas Christian Bale y Matt Damon. Y esta dupla funciona y por eso la película lo agradece existe lo que se llama química entre los dos. Un pequeño ejemplo son las peleas tanto físicas como verbales entre ellos, el puñetazo de Christian Bale a Matt Damon todavía me duele, sus peleas me recuerdan las de mi barrio y finalmente la emoción de cada uno de los progresos que comparten, son emocionantes. Dos tipos de interpretaciones totalmente diferentes pero que empastan increíblemente. Un Christian Bale acelerado como la velocidad que imprime a su bólido, pero que establece una relación fraterno filial digna del Imperio del Sol. Y su contrapunto ideal es Matt Damon, no tan histrionico, mas cerebral, con gestos adustos pero definitivos, que realza la interpretación de su compañero. Otro dúo de estrellas de la que disfrutamos este año, dos de los grandes actores de su generación en plena madurez. Y ellos los saben. En definitiva Le Mans’66 de James Mangold saldrás comentando con tu Qunyado que has visto una peli chula de carreras, con pedazo de actores y te lo has pasado de Lujo.
Terrassa 9 de Noviembre 2019, Sala 8 de las salas Cinesa en el Parc Valles, fila 10 butaca 14, minuto 12, en pantalla se esta proyectando El Hoyo: «me estoy rallando muchísimo, me abro ya«, Obviamente cuando se encendieron las luces todavía se encontraba sentado en su butaca «Un pasote pero se cuelga un mazo «. Así es El Hoyo, siempre dando una sensación de asfixia, angustia, desasosiego, un miedo liquido lleno de incertidumbre donde Galder Gaztelu-Urrutia te acompañara en un viaje lleno de horrores sociales gastronómicos, donde la comida (Como en Mad Max la gasolina) es la única esperanza para sobrevivir dentro de ese espacio vertical. Tan solo comenzar las película recibimos las instrucciones que marcara tu estancia en El Hoyo, se trata de una estructura vertical de hormigón segmentada por niveles en los que 2 personas compartirán al azar su estancia durante un mes. 250 niveles donde una plataforma llena de comida desciende,cada dia, desde el primero hasta el ultimo nivel. En cada nivel se detendrá durante 2 minutos, ese sera el tiempo que dispondrán los inquilinos para alimentarse, eso si, sin poder almacenar nada una vez abandone el nivel.
Un nuevo Héroe con rostro Quijotesco nos llevara, como un gran Elegido de la Eneida, a la consecución de una nueva sociedad igualitaria. Uno de esos héroes de ciencia-ficción que interpretaba Charlton Heston, un cínico de buen corazón que ira quemando etapas, forjándose como el Mesías al que todos están esperando, sin distracciones. Como los diferentes amos del Lazarillo, ira moldeando su aventura en un viaje donde se encontrara con el cinismo del desencantado, la bondad de la funcionaria, la ferocidad de la madre, el iluso aventurero y la posible veracidad del Oráculo, que le conduciran hacia su destino final, (la representación del Status Quo) La Cocina Infernal.
Película planificada desde los personajes, primeros planos en los que la comida es la protagonista, comisura de labios derramando liquido, grasa pegada en los dedos, los manjares como un simple combustible para que nuestro cuerpo siga funcionando. Encuadres en profundidad donde el punto de fuga hacia el infinito nos transmite una sensación de vació desesperanzador y un gran trabajo de luz donde cada uno de los niveles marca una sensación diferente, envueltos siempre en esa neblina permanente. Primeros planos que aguantan todos y cada uno de sus interpretes como auténticos retratos de su personalidad, nos dan ese matiz que necesitamos para entender el relato. Goreng (Ivan Massague) ha creado un Héroe Quijotesco que recordaremos durante mucho tiempo, vemos la evolución de su mirada desde la incredulidad sobre intentando entender donde se encuentra, el dolor, la ternura y finalmente la aventura, como en el Temible Burlón, comienza al lado de su fiel compañero pirata, Baharat (Emilio Buale), el abordaje del Hoyo abordo de la pantagruélica plataforma. Tremendo Zorion Egileor interpretando a Trimagasi, el primer compañero de celda de nuestro Héroe que marcara las reglas del Hoyo. Todo lo que lean sobre su interpretación multipliquen por dos. Imoguiri &Antonia San Juan da el contrapunto perfecto para la evolución del protagonista, es una funcionaria de buen corazón que intenta entender al sistema. Y por ultimo Miharu, espectacular Alexandra Masangkay, miradas, gestos salvajes, ternura y por ultimo violencia que capta un personaje difícil pero que marcara la continuidad del relato.
Galder Gaztelu-Urrutia ha creado un Hoyo de un material frió como el hormigón como reflejo de una sociedad con una estructura eficiente, duradera, inexpugnable como el hormigón en el que sus lineas geométricas son milimetricamente proporcionadas que contrastara con las formas de una comida liquida, cambiante, colorista y cálida. Indudablemente nos encontramos ante una película que inaugura un nuevo concepto del fantástico en nuestro cine, estoy seguro que en breve veremos muchas derivadas, tan solo una advertencia a todas las continuaciones, no os salgáis de la linea marcada por El Hoyo.Recordar que se trata de aventuras con un Quijote como protagonista. Algo se esta haciendo bien en el cine Vasco.
Diríjase hacia cualquier cañizal cerca de su casa, entre en él, cierre los ojos y escuche. Seguramente el viento soplara entre las hierbas y su silbido entrara en su cabeza, levante sus brazos y deje que esas largas hierbas pegajosas se adherirán a ellos. Abrirá sus ojos y tan solo el azul del cielo romperá ese monocroma verde, dé el primer paso y húndase en ese barro. Entonces sienta el terror de la naturaleza a su alrededor. Asi de simple, así de sencillo, así se siente el miedo y Vicenzo Natali lo sabe.
En la hierba alta es la última película del director Vicenzo Natali, basada en un relato corto de Stephen King, producida para Netflix que inauguró el Festival de Sitges este año. Vicenzo Natali, promesa del cine fantástico (ganador del 31 Festival de Sigtes en 1998 con Cube) con peliculas como Cypher, Splice, que lleva desarrollando su carrera estos últimos años en series de televisión de referencia como American Gods, Hannibal o Westworld.
Todo empieza con normalidad.Los hermanos Becky y Cal viajan en su coche en una de esas largas carreteras sin final cuando detienen su coche junto a un aparcamiento al lado de un gran campo de alta vegetación, un iglesia observa la escena. En ese momento escuchan los gritos de un niño perdido en un campo de hierba alta, el quiere entrar a rescatarlo, ella duda, pero finalmente ambos se introducen en un laberinto donde una fuerza sobrenatural les atrapa en su interior sin dejar que nunca se vuelvan a encontrar, o tal vez si.
Esta vez no estaremos confinados en un cubo cuántico, sino en pleno campo abierto donde la naturaleza nos encerrara en un laberinto eólico donde ese espacio físico nos atrapara y engullirá en la tierra como alimento. Planos cenitales, primeros planos los colores(el verde, el azul y la oscuridad), el sonido del viento al deslizarse por esa hierba infinita, viva, nos envolverá en una angustia existencial. Esos serán los elementos que utilizara Natali ,como en su época utilizo Tourneur, para caminar junto a sus protagonistas en senderos que se bifurcan buscando una salida en solitario que tan solo se romperá cuando se cumplan las normas marcadas.
En el centro del laberinto un nuevo monolito nos indicara el camino hacia el averno o quizás hacia la luz. Se hundirán en la tierra de la que vinieron y hacia la que volverán para formar parte de ella. Bajaran hacia el infierno de las almas perdidas, como hace poco lo realizo Lars Von Trier en su apocalíptica La Casa de Jack, todos de camino hacia un mismo destino donde estos espíritus pecaminosos de la sociedad actual les dirige sin saber que ya conviven entre Nosotros.
Y finalmente un nombre Patrick Wilson. Verdaderamente su presencia da otra dimensión al relato, Natali lo sabe y por eso se convierte en una de las piezas clave. El actor ya es un personaje en si de las películas de terror (Insidious Expedientes Warren). A partir de su aparición el relato tomara otro nuevo camino hacia ese perverso final que espera al otro lado del sendero, a partir de aquí, el relato no volverá ser el mismo.
Si les gusta pasar miedo, quedar con un mal cuerpo y acabar pensando que nunca mas te acercaras a un campo de hierbas altas, Vicenzo Natali le ayudara a conseguirlo.
Afectofobía: Fobia a expresar emociones, Diana Fosha dixit en La Contra de la Vanguardia. Esa es la sensación que he tenido al salir del cine después de haber visto Géminis de Ang Lee producida por Jerry Bruckheimer y protagonizada por Will Smith. Película rodada en 3D, en una resolución de 4K y alta frecuencia en 120 frames por segundo, con muy pocas salas a nivel mundial preparadas para exhibir este formato, por lo visto hay unas 14 en USA y alguna en China (participa la productora China Alibaba). Película para presumir que eres de los pocos elegidos que la han podido ver en el formato previsto.
Cada vez que veo anunciada la última película de Will Smith pienso «Lo vamos a recuperar» pero al finalizar matizo «en el próximo hormiguero estará mas divertido». Geminis tiene al productor de Dos policias rebeldes, al director de Tigre y Dragón y al protagonista de Yo Robot, todos los ingredientes para disfrutar de un blockbuster noventero que sin embargo no lo es. Nos encontramos ante el enfrentamiento entre un asesino a sueldo con buenos sentimientos(sic) Soy Leyenda versus Principe de Bel air, un Ansu Fati en potencia, donde Clive Owen ejerce como representante tipología Jorge Mendes (malvado sin escrúpulos).Viajaremos haciendo un tour Misión Imposible alrededor de Budapest, Cartagena de Indias (Colombia) y Savannah (EE UU), con su equipo formado por la chica de la película (MaryElizabeth Winstead) y el camarada de misiones (Benedict Wong).
El director de tres peliculas con Oscar, Ang Lee, se encuentra defendiendo esta nueva tecnología los 24 frames , con las que ya ha realizado con esta, dos películas(la anterior fue la denostada Billy Lynn), como hacia Robert Zemeckis con la avanzada la captura en movimiento. Directores que muestran maravillosamente los sentimientos de sus personajes, amantes de las nuevas tecnologías, pero, que no llegan a conseguir dar esa emoción a estas películas experimentales(Peliculas Afectofobícas). Son películas que atraen por su sipnosis pero que no se llega a materializar en sus imagenes. Es tanto el empeño de Ang Lee en el desarrollo de la hiperrealidad de los 24 frames que su guión queda en un segundo plano, allí donde siempre han habido grandes interpretaciones como la de Heath Ledger en Brokeback Mountain nos encontramos con interpretaciones de malvado de manual como la de Clive Owen que me deja sin palabras.
No es una película aburrida simplemente es demasiado vacía, demasiado previsible, pero seguramente que si la dan por televisión no cambiaras el canal.Dos escenas que recordaras cuando salgas del cine seran la muy comentada persecución en moto por las calles de Cartagena(heredera del Tintín de Spielberg) y el primer enfrentamiento entre los dos Smith joven y adulto.
Valoración Neo Critico: Podía estar mejor. Valoración Qunyadil: A mi me ha gustado. Mira la película y dime que piensas. Nunca hay dos opiniones iguales. Me quedo esperando el Spin-Off del Principe de Bel-Air.
Como todo Capitulo 5º de toda serie que se precie, este rompe con todo lo que hemos visto hasta ese momento. En EL VOTANTE, el protagonista es Elliot, un adolescente marginal en ese instituto, practicante asiduo del onanismo, al que las elecciones le preocupa tanto como a nosotros ir a votar el próximo 10-N. Es un personaje con pocas frases, pero, sin duda alguna, contundentes «¿Si te digo que te votare, me dejas en paz?» y con acciones como golpear a los encuestadores de las dos candidaturas,harto de tanta comedura de cabeza. Un nuevo gran personaje ha nacido «el posible votante harto».
Ryan Murphy es el responsable de la serie junto a Brad Falchuk y Ian Brennan creadores de Glee, Scream Queens,Pose, Feud, America Crime Story, o sea, estamos hablando de uno de los showrunners (como me gusta la palabra) más prolíficos de la industria televisiva actual. Siempre arriesgando en el filo de la navaja y para mi esta vez ……vuelve a engacharme.
Una sátira en colores pastel, rápida, apabullante y sin un minuto de respiro. Un microcosmos de la sociedad actual en la que hijos adoptados, el colectivo LGTB, discapacitados manipuladores, ricos filántropos perjudicados, universidades corruptas, estafadores del sistema, equipos de aduladores, ambiciosos gemelos y delincuentes Coenianos, marcan un retrato a ritmo de noticia twitter por minuto. Una reflexión de un maduro de 53 años sobre la generación actual «hoy día, tu generación tuvo la horrible idea de que es mejor vomitar cada pensamiento y sentimiento entre ellos. Es una Pandemia de sobre comunicación que provoca la ausencia de intimidad» explica el personaje de Gwyneth Paltrow (Georgina Hobart) a su hijo Ryan Murphy (Payton Hobart). Diferentes generaciones pero un solo propósito; la ambición y obsesión de llegar al poder a través de la manipulación, el engaño y la traición. Cada generación tiene su Ciudadano Bob Roberts.
La historia trata sobre la vida de Payton Hobart (Ben Platt), un adolescente que desea llegar a ser presidente de los Estados Unidos. Para lograr su propósito, Payton necesita un curriculum intachable y esta temporada, buscara ser el representante de Alumnado del Instituto de Santa Barbara, mediante una campaña electoral que no tiene nada que envidiar a las que vivimos últimamente.
The Politician cuenta con una galería de excéntricos personajes ,no hay ninguno normal, rayando siempre la caricatura . Nos encontramos con una combinación de reconocidas actrices como Gwyneth Paltron (Es Georgina Hobart su alter ego real, su actual marido y guionista, Brad Falchuk nos lo podrá aclarar) y Jessica Lange (la Yaya manipuladora) con jóvenes promesas como Ben Platt (un hiper ventilado Payton Hobart), ademas de Zoey Deutch, Laura Dreyfuss y Lucy Boynton. Mención a parte el personaje heredero de los hermanos Coen, Ricardo .
Por ultimo, la música. Llevo silbando la canción de los reveladores títulos de crédito, todo el día, Chicago de Sufjan Stevens. El creador de Glee vuelve a dar la importancia a la música, todas las canciones tienen la relevancia oportuna en cada episodio con una que sobresale sobre todas las demás :River de Joni Mitchel, interpretada magistralmente por Ryan Murphy y rodada con un sentimiento que hasta lagrimones me caían al finalizar la escena.
Leeréis buenas criticas y malas criticas, dirán que es endiablada o mamarrachada, que es arriesgada o fallida pero lo que esta claro es que no deja indiferente a nadie. Esperemos que Netflix deje a Ryan Murphy llegar hasta el final de estas cuatro temporadas previstas.
Al despacho de Areta Investigaciones llega una atractiva mujer que encarga a German Areta la investigación de la muerte de su amante. La policía sostiene que se trata de un suicidio, pero ella sabe que no es verdad, fue asesinado. El instinto del Detective le dice que la gente sólo mata por amor o por dinero. Precuela del Crack que sucede mientras este país prepara y entierra al Generalísimo en el Valle de los Caídos.
Se estrena el Crack Cero 36 años después del ultimo caso de Germán Areta.
Una escena resume la marca narrativa oral de Garci. Aquella en la que Don Ricardo (El Abuelo), le explica a nuestro protagonista, la jugada en la cual Ramon Marsal marco el «Gol del minuto mas largo». Antes de Tarantino, el maestro ya utilizaba el recurso, dialogar, hablar, explicar. No hay mayor placer que relatar un cuento, que tu interlocutor escuche y sobre todo, que le interese tu conversación, hay que transportarlo hacia tu realidad, donde ficción y verdad se funden, creando un momento mágico de autentica amistad que no admite la traición.
La amistad inquebrantable entre el Abuelo y el Piojo
Madrid y la sociedad española, vuelven a ser otros personajes del relato. Esa Gran Via donde echan el Puente de Casandra(en las anteriores veíamos Saturno3 y Viernes 13)donde se vive en los bares, se juega al mus, se fuma Willson (nada de Red Apple), se escucha a Jose María García en la radio y se celebran partidas de poker clandestinas en casas de citas. Aquel mundo donde una palabrota era rara de escuchar y se preferían las frases hechas. Garci antes bajaba su cámara a la calle y filmaba aquella realidad, aquellos billares, bares, colegios, papeles pintados, eran reales, era la autentica realidad del relato. Ahora el autor no atrapa las imágenes, ahora las crea, donde Germán Areta, un Edipo detective, con su aliento trágico va hacia la búsqueda,aguantando los ganchos de izquierda, de la resolución de su nuevo caso, empujado por una femme fatale. Es en esa abstracción del relato donde apreciamos la influencia del coguionista Javier Muñoz (Sicarius power). Diálogos cortantes y llenos de referencias cinematográficas, donde cada frase es un homenaje a un mito.
Una película de personajes
Estamos ante una película de personajes que quedaran grabados, sino lo estaban ya, en la mitología de nuestro cine negro. La pareja de heroes: Germán Areta (Carlos Santos i.m.p.r.e.s.i.o.n.a.n.t.e) y el Moro (Miguel Angel Muñoz, aquí cuenta con un nuevo fan), la fiel ayudante (abnegada Luisa Gavasa), las femme fatale Remedios(Patricia Vico, Macarena Gomez), la eterna novia Adela (maravillosa Maria Cantuel ), la Madame (Cayetana Guillem Cuervo, una sola escena que todo el mundo recordara) el jefe (Pedro Casablanc autentica química con Carlos Santos en cada escena ), el amigo Rocky (Luis Varela)y el villano Bondiano (Ramón Langa) . Todos ellos esperando la semieterna Navidad de todos los Crack.
German Areta es al Madrid Negro lo que Pepe Carvalho a la Barcelona Negra. Eso si mientras el primero ha conseguido un rostro en pantalla, el segundo todavía esta en busqueda y captura(Quizas Constantino Romero). Me gustaría ver un crossover entre dos de mis detectives favoritos de la transición. Una autentica reunión de figuras, mucho mejor que la de Horacio y Grisson. Me imagino una partida de mus, en la mesa El Moro y Biscuter contra Charo y Germán. Carvalho gritaría desde la cocina mientras esta preparando la cena de Navidad. De fondo villancicos y el olor de humo y gambas a la plancha en el ambiente.
Test of Voight-Kampff
Test Of Voight-Kampff
Humano (M) Jose Luis Garci (Jose Luis Garcia Muñoz)
Modelo : Cinefilo Renancestista
Autoeficiencia:Compartida
Elemento Omnipresente
Dispositivo de seguridad: Dos meses en salas con discontinuidad cíclica
Larga vida en plataformas, entrado a formar parte de la sección Trilogías clásicas
Ficha: El Crack Cero Artx: Clasico Cine Negro Descripción: película de detectives en el Madrid que esperaba, la siempre anunciada muerte de Franco. Con chicas malas, Sanchos y un héroe jugador de mus.
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